70 년대에 미술 학생 / 전문가들은 어떤 디자인과 예술 개념을 논의 했습니까?

궁금합니다 : 만약 당신이 [조건부, 실제로 거기에있는 사람들을 요구하지 않습니다] 예술 (또는 인쇄, 또는 광고, 나는 제목이 당시에 무엇이 었는지 잘 모르겠습니다) 70 년대에 급우 / 동료들과 무엇에 대해 이야기하고 싶습니까?

나는 당신이 수업에서 무엇을 공부할 것인지를 의미하지는 않지만 당시에 혁신적인 (그리고 아마도 조금 파괴적인) 과목을 어떻게 고려할 것입니까? 사람들이 이야기 한 새로운 아이디어는 무엇입니까?

미국이나 유럽에서 온 학생들 일 수 있습니다. 실제로 라틴 아메리카 대학에 대해 생각하고 있지만 너무 구체적 일 수 있습니다. 그리고 그들은 똑같은 것에 대해 이야기했을 것입니다.

예를 들어, 사회 과학 학생들이 Levi-Strauss에 대해 많이 토론하고 있다는 것을 알고 있습니다. 일부 라틴 아메리카 국가에서는 '위험한'것으로 간주되어 금지되었습니다. 아마도 미술 학생들이 포스트 모더니즘에 대해 이야기 한 것 같습니다. 페미니즘? 나는 당신의 도움을 정말로 모른다.

나는 전문가가 아니며, 70 년대에 학생이 아니었지만 정치적 격변, 사회적, 문화적 흐름과 사건을 기억합니다.

디자인은 일반적으로 사회에서 일어나는 정치와 사건에 대해 정보를 받고, 발전 시키거나, 이에 대한 반응으로 개발됩니다.

그렇습니다. 70 년대에는 확실히 60 년대의 히피 미학이 많이있었습니다. 그 당시에는 점점 더 수용되고 주류가되었습니다. 환각 적 요소는 더 이상 "위험하고"파괴적이지 않으며, 시민의 불순종과 비폭력 항의의 "평화와 사랑"은 유기적 인 꽃 다색의 미학이 "가야한다"는 정치적 진자 스윙은 불가피 할 것이다.

육십. 히피 디피 :

60 년대에 인쇄 기술을 실험 해 보니 오프셋 인쇄기에서 여러 색상을 같은 색상으로 쏟아 붓는 광기를 발견 할 수 있습니다. 결과적으로 모든 것이 갈색으로 변하지 만 색상이 혼합되기 전에 많은 양을 인쇄 할 수 있으며, 약간 다른 포스터를 얻을 수 있습니다. 즉 : 래스터가 없습니다. 나는 예를 찾을 수 없지만 이것에 여러 가지 색상을 넣었다고 상상해보십시오.

1967 년에 제작되었지만 Milton Glasers Bob Dylan의 앨범 디자인은 엄격한 시각적 언어를 보여줍니다. 내 요점은 "히피 같은"머리카락이 거친 히피 색 이 아니라는 것 입니다. 음소거되었습니다. 글꼴과 실루엣은 최소한의 대비를 나타냅니다.

기업 디자인이라고 부르는 것과 어떤 종류의 상향식 시각적 언어에 뿌리를 둔 저류에는 큰 차이가 있습니다. "1970 디자인"을 검색하면 눈에 띄는 시각 효과, 회사 디자인, 새롭고 멋진 기술 등 많은 것들을 볼 수 있습니다. 여전히 많은 양의 색상이 있지만 유기적 인 꽃 물질은별로 없습니다. 보다 단순한 그래픽 요소로 나아가고 있습니다. LP 커버, 콘서트 포스터, "풀뿌리"문화 행사 등과 비즈니스 디자인을 비교하면 큰 차이가 있습니다.

칠십. 이것을 사시겠습니까?

물론 앤디 워홀 (Andy Warhol)의 예술은 "명백하게"상업화되었다는 논란의 여지가있다. 나는 당신이 그를 평면 디자인의 마스터라고 부를 수 있다고 생각합니다 : D.

여기 Liza Minelli가 있습니다 :

1968 년 사회 불안과 갈등은 군사, 자본가, 관료 엘리트로 보이는 것에 대한 격렬한 반응이었다. 많은 정부가 정치적 억압과 신체적 폭력의 확대로 답변했습니다. 평화로운 항의는 어디에도 가지 않았습니다. 길거리에서 남자, 안티 설립. 냉전, 실제 전쟁, 혁명, 영국 제국의 몰락, 마오는 죽었다. 세상은 크고 추웠으며 위험하고 혼란 스러웠습니다. 로봇, 공상 과학, 우주 탐사, 스타 워즈, 디스토피아, 유전자 조작; 세상은 외계인이되었습니다. 세상이 세상보다 나아질 것이라는 희망은 흔들렸다.

펑크를 입력

누구나 무엇이든 만들 수 있습니다. 누구나 음악을 만들 수 있습니다. 이 기술은 예술, 음악, 디자인 분야에서 더 많은 사람들이 쉽게 사용할 수있게 해주었습니다. 이것의 전형적인 예는 물론 섹스 권총입니다. 그것은 지저분했고, 스스로 할 수 있었고, (모든 의미에서) 큰 소리였습니다. 그들은 찬사를 받았으며 여왕, 깃발, 종교, 정치인들을 해부했다. 그리드는 진정으로 창 밖으로 나오고 규칙과 일관성은 시스를위한 것입니다. 당신이 청각 장애인이라면, 그것은 가수로서의 플러스 일 것입니다. 충돌은 "정품"펑크가 아니라 너무 "선율 적"인 것으로 비난 받았다. 상류층.

그리고 여기에 앤디 워홀 스의 마릴린 먼로 초상화가 있습니다.

70 년대 의 페미니즘 운동 은 펑크의 요소를 취했다. 그것은 항의의 시각적 언어였다. 그것은 여성의 몸, 성적 자유에 대한 권리, 전 세계의 여성과 동등한 임금과 연대에 중점을 두었습니다.

베트남 전쟁 중 베트남 여성과의 연대 :

1970 년대에 학생이었던 나는 펑크와 "좋은 맛"사이에 꽤 큰 격차와 트렌치 전쟁이있을 것이라고 생각합니다. 포스트 모더니스트 (1 절 멸시)와 분석적 해체는 "거리"미학과 충돌했다. 다른 요소는 "기계"미학, David Bowie 및 Pink Floyd의 그래픽 아트 및 음악이 그 예입니다. 당신은 그것을 기계 초현실주의 (히피 유기 초현실주의와는 대조적으로), 인간-기계, 그리고 우리의 존재와 우리가 창조하는 것 (즉, 기술)에 대한 우리의 정체성의 재창조라고 부를 수 있다고 생각합니다.

펑크 운동은 물론 상업주의에 반대했다는 점은 주목할 가치가 있습니다. 펑크의 일부인 사람들은 나이가 들어서 물건을 팔 수 있기 때문에 "그들의"언어는 더 가벼운 버전이지만 더 많은 주류 상업주의에 의해 채택됩니다. 많은 경우에 해당됩니다.

내가 실제로 귀하의 질문에 대답했는지 확실하지는 않지만, 역사적 맥락에 놓으려고 시도했습니다.

(다음은 80 년대와 미친 경제 호황 일 것입니다. 그러나 지금은 충분합니다.)

물론 논의 된 문제는 매우 주관적이며 70 년대에 거슬러 올라가는 정치적 배경이 매우 다른 국가와는 상당히 다를 것입니다.

제가 십대 시절에 독일에서 시원하다고 생각했던 그래픽 디자인 개념에 대한 저의 기억을 공유하겠습니다. 나는 이것이 필연적으로 다소 불완전하고 좁고 개인적인 견해임을 알고 있습니다.

대부분의 디자인은 60 년대 플라워 파워 히피 운동의 여파로 인해 크게 영향을 받았습니다. 그러나 그들의 개념은 더욱 강화되고 상업화되었습니다. 약물과 정신 상태에 미치는 영향은 영화, 광고 및 음악과 같은 거의 모든 곳으로 옮겨지는 " Psychedelia " 로 귀결되었습니다 .

환각 스티커 7 개

이것은 종종 환상적 초현실적 인 세계를 테마로 한 비닐 레코드 커버의 그래픽 아트 워크에도 반영되었습니다.

Roger Song의 Yessongs 커버

주로 살바도르 달리 (Salvador Dali) 또는 이브 탄가 (Yves Tanguy) 의 작품에 초현실주의가 영향을 미쳤다 .

전체적으로 둥글고 유기적 인 구조와 꽃 장식은 최소한 젊고 엉덩이가있는 지역 에서는 최소한의 바우 하우스 스타일을 대체합니다 . Banana Split와 같은 글꼴은 어디에서나 찾을 수 있습니다.

편지지와 봉투를 포함하여 편지지가 자주 장식되었습니다.

Lugi Colani 와 같은 주요 70 년대 디자이너 는 이러한 유기성을 거의 모든 것에 적용했습니다.

Colani의 트럭 디자인

바우 하우스의 미니멀리즘, 명확한 기하학적 비유 기 라인은 70 년대에도 여전히 존재했습니다. 그들은 오늘까지 살아남 았지만 그때까지 그들은 "제곱" 으로 간주되었습니다 .