후 처리에서 (또는 일반적으로) 채도, 선명도, 생동감 등을 설정하기위한 가이드 나 경험 법이 있습니까?

이 아닌 다른 "나는 같이있는 사진을 얻는 방법 등 - 및 - 같은 링크는 - - 여기에 삽입 된 질문 LR에서"를. 여기에 이러한 질문들에 대한 채도가 있습니다. 흥미롭지 만 일반적이지 않습니다.

내가 실제로 묻는 것은 사람들이 피부 톤을 개선하거나 이미지의 색상과 조명을 개선하는 등의 사후 처리 결정을 내리는 방법은 무엇입니까?

나는 보통 날개를 펴고, Lightroom의 레버 (일반적으로 노출과 대비, 화이트 밸런스, 때로는 채도)를 제대로 볼 때까지 만집니다. 나는 개인적으로 리얼리즘을 목표로합니다. 사악하게 사후 처리 된 것이 아닙니다 (그렇지 않으면 촬영할 때 게으르게 만듭니다). 또한 RAW를 촬영하여 카메라의 '픽쳐 스타일'이 적용되지 않습니다.

그러나 일관성이 없다고 생각합니다. 반면에, 틀에 박힌 장면, 조명 기술 등을 다루는 규칙을 살펴보면 어디서나 특히 StackExchange에서 해당 가이드를 찾을 수 있습니다. 그런 것들을 배우면서 일관되게 빨리 얻을 수 있습니다. 그러나 포스트 프로세스 기술은 나에게 더 무작위로 보입니다.

전문가가 여기에서 생각하고 행동하는 것에 대해 듣고 싶습니다. 완전히 주관적이지 않고 검은 예술이 될 수는 없습니다.

대부분의 결정은 예술적인 것이며, 풍경이나 인물, 상업 또는 비영리적 여부에 관계없이 자신의 개인적인 스타일과 비전, 그리고 어느 정도까지 사진의 장르에 달려 있습니다.

시작하기 전에 이미지의 모양을 이해해야합니다. 높은 키 또는 낮은 키? 선명하고 대비가 가볍거나 미묘합니까? 모든 이미지가 다르므로 모든 이미지에 설정된 규칙이 없습니다. 그러나 나는 일반적인 지침을 제공하려고 노력할 것입니다.

Lightroom 또는 Camera Raw를 사용하여 슬라이더를 위에서 아래로 살펴 봅니다.

화이트 밸런스

나는 대부분의 경우 이것이 예술적 결정이라고 말한다. 예, 화이트 밸런스 드로퍼 도구를 사용하여 "올바른"화이트 밸런스를 추정 할 수 있지만 종종 멋진 이미지에서 따뜻함을 빨아들이는 경우가 있습니다. 나는 종종 화이트 밸런스 도구를 사용하여 이미지에 미치는 영향을 확인하고 정직하게 유지하여 온난화를 과도하게하지 않지만 대부분 과도하게 할 때까지 따뜻함을 높이고 비트.

대조

Raw Conversion 단계에서는 대비를 만지지 않습니다. Photoshop을 사용하고 필요한 곳에 마스크 / 브러시 할 수있는 커브 조정 레이어를 적용하는 것을 선호합니다. Lightroom을 통해서만 처리하려는 경우, 대비 노출 슬라이더를 건너 뛰고 다른 노출 관련 조정을 수행 한 후 해당 슬라이더로 돌아갈 수 있습니다.

노출, 하이라이트, 그림자, 흑인, 백인

대부분의 이미지에는 검정에서 흰색까지 모든 범위의 색조를 원합니다. 즉, 대부분의 이미지에서 히스토그램이 왼쪽에서 오른쪽으로 확장되기를 원합니다. 그런 이미지를 얻으려고한다고 가정하면 내 생각은 다음과 같습니다.

전체 노출이 대략 정확합니까?

이미지가 너무 어두우면 노출을 증가시킵니다. 너무 가벼우면 줄어 듭니다. 멋진 히스토그램은 아니지만 멋진 이미지를 얻을 수 있습니다. 예를 들어 높은 키 이미지는 오른쪽에 잘 표시 될 수 있습니다. 카메라에서 노출을 조정하려고하지만 시간이 없거나 의도적으로 오른쪽에 노출되는 경우가 있습니다 . 또한 한쪽 끝이 잘 리면 전체 노출을 조정할 수 있습니다. 일반적으로 노출 슬라이더를 터치 할 필요가 없습니다.

다음으로 히스토그램의 끝점은 어떻습니까?

노출을 조정 한 후에도 검은 색 또는 흰색이 여전히 잘 리거나 히스토그램의 가장자리까지 확장되지 않는 경우 (일반적으로 검은 색 또는 흰색이 없음을 의미하는 경우), 검은 색 / 흰색 슬라이더를 사용하여 전체 색조 범위가 될 때까지 히스토그램을 확장하십시오. 분명히 이것은 다소 예술적인 결정이지만, 전체 색조 범위를 원하는 이미지의 경우이를 달성하는 가장 좋은 방법이라고 생각합니다.

하이라이트와 그림자는 어떻게 보입니까?

밝은 영역과 어두운 영역을 미세 조정하기 위해 하이라이트 및 그림자 슬라이더를 거의 사용하지 않습니다. 대부분의 이미지에는 전혀 필요하지 않습니다. 피사체를 밝게하기 위해 예를 들어 백라이트 이미지에서 그림자 슬라이더를 늘리고 흰 구름이 넓고 대비를 약간 높이려면 하이라이트 슬라이더를 줄일 수 있습니다.

명쾌함

선명도를 높이면 대비와 세부 묘사가 향상 될 수 있습니다. 선명도를 낮추면 특히 물이나 구름에 멋진 꿈결 같은 느낌을 줄 수 있습니다. 나는 이것이 순수하고 예술적인 선택이라고 생각합니다. 나는 일반적으로 RAW 변환기에서 선명도를 조정하지 않고 Photoshop에서 나중에 선명하게하기, 로컬 커브 조정 또는 Topaz Detail / Adjust와 같은 효과 필터를 사용하여 비슷한 효과를 로컬에서 얻을 수 있습니다.

채도 / 생동

Camera Raw에서는 채도 또는 진동을 거의 사용하지 않습니다. 이미지의 색상이 평평하게 보이면 생동감이 생길 수 있지만 일반적으로 나중에 Photoshop에서 선택 영역이나 선택 색상으로이 작업을 수행합니다. 또 다른 예술적 선택-기분이 좋은 것을하십시오. 채널을 자르지 않도록주의하십시오. 생동감은 조금 더 안전한 선택입니다.

아니요, 실제로 그러한 규칙은 없습니다. 이것은 자연스런 능력이나 연습 (또는 둘 다)을 통해 이러한 것들을 주시하는 곳입니다. 그것은이다 주관적 아니라 임의의 , 그리고 그건 예술 하지만 마술 .

결국, 당신은 자신에게 맞는 느낌을주는 개인적인 스타일을 개발하게됩니다. 많은 사진가들이 매우 독특한 개성있는 모습을 개발합니다. 당신은 "프로 (pros)"를 언급하고, 그것에 대해 생각하는 데 잠시 시간을 투자 할 가치가 있습니다. 왜냐하면 그것이 가장 중요한 것은 고객의 취향이기 때문입니다. 작은 마을의 인물 사진을 촬영하는 경우 약간의 "팝"이 포함 된 간단한 모양이 필요할 수 있습니다. 몇 년 전, 조부모는 초상화를 찍었고, 사진 작가는 소프트 포커스 모양이 예술적 선택이라고 주장했지만 조부모는 화를 내었습니다. 전혀 맛이 없었습니다. 그러나 당신이 결혼 사진 작가라면, "꿈꾸는"모습은 당신을 잘못하지 않을 것입니다. 또는 대량 시장의 "예술"판매를 목표로하는 경우, 내가 베가스에있는 갤러리에서 본 것을 보면, 눈이 번질 때까지 채도를 높이고 후광이 전체 장면을 교살 할 때까지 톤맵을 만들고 싶을 것입니다. 갤러리 표현을 찾고 있다면 미술의 현재 동향을 파악하는 데 도움이 될 것입니다. 그러나보다 오래 지속되는 예술을 원하거나 자신의 개인적 만족을 위해 노력하고 있다면 자신의 청중이되어야합니다.

카메라가 자동으로 할 수 없기 때문에 "규칙"이 합성에 일반적이라고 생각합니다. 카메라는 노출의 균형을 맞출 수 있지만 피사체의 중앙에 위치를 선택할 수는 없습니다 . 이러한 구성 규칙은 일반적으로 모호 하지만, 원하는 것을 스스로 모를 때 기본 프레임 워크와 편안한 시작점을 제공합니다.

그래도 비주얼 스타일 에서 어떤 모양을 원하는지 모르는 경우 카메라의 "픽처 스타일"또는 RAW 변환기의 사전 패키지 된 설정 중 하나를 선택하면됩니다. 흑백 영화 촬영의 초기에는 그렇지 않았으며, 그 시대에서 수집 된 지혜 (그리고 항상 더 모호한 규범 주장)를 많이 찾을 수 있습니다. 유연성이 떨어지는 컬러 필름이 사용됨에 따라 이러한 접근 방식은 심각한 상처를 입 었으며 디지털은 유연성을 다시 가져 오는 반면 쉽게 포장 된 사전 완료된 "모양"을 가져와 환자가 완전히 회복 할 가능성은 거의 없습니다.

즉, 나는 그 스타일을 향해 노력하면서 하나의 지침을 생각할 수 있습니다. 이것은 종종 다음 과 같이 표현 됩니다 : 당신이 좋아하는 특수 효과를 얻은 후에, 그 힘의 절반으로 전화를 걸고 그와 함께 가십시오. 그러나 이러한 구성 규칙과 마찬가지로 이것은 보수적 인 선이며 보수적 인 것은 예술에서 유명한 가치가 아닙니다. 따라서 반대를 시도 할 수 있습니다 : 대담하십시오 . 물론, 몇 년 안에 약간의 당혹감으로 자신의 작업을 되돌아 볼 수도 있지만 최소한 소심하다고 비난받지는 않을 것입니다.

고의적 인 도움이됩니다. 여기에 무한한 유연성이 적입니다. 그것은 당신이 원하는 것을 할 수있게 해주 며, 당신의 자신의 개인 홈에 정착하기 어렵게 만들 수 있습니다. 여기에 시도 할 수있는 한 가지 방법이 있습니다 ... 디지털 카메라를 내려 놓고 오래된 필름 본체를 집어 올리십시오. Pentax K1000, Nikon F, Canonet 거리계. Kodak Portra 400, Fujicolor 160NS 및 Ilford Delta 1600 롤을 집어 들거나 적어도 RAW 변환기를 내려 놓고 몇 가지 그림 스타일을 선택하십시오. 많은 R & D가 실제로 들어갑니다. . 카메라를 통해 원하는대로 개인 취향에 맞게 조정할 수 있지만 (명암 증가), 약간 조정 한 후에는 잠시 그대로 두십시오. 카메라에서 "아트 필터"를 꺼내고 싶을 수도 있습니다. 효과적으로,당신이 찾고있는 경험의 규칙은 프로그래밍 방식으로 만들어졌습니다.

3 분의 1의 규칙으로 의도적으로 1 주일을 촬영한다고해서 자동으로 더 나은 사진가가되지는 않지만 결과를주의 깊게 검토하기 때문에 규칙을 적용하는 것이 아니라 전반적인 효과를 평가하기 때문에 여전히 좋은 운동입니다. ) 대신 원하는 작업 과 그 이유 를 더 잘 알 수 있습니다 . 마찬가지로 다양한 유형의 필름을 몇 장 촬영하거나 사전 설정 세트를 선택하여 잠시 동안 붙입니다. (이것이 너무 고통 스럽다면, 항상 RAW + JPEG로 갈 수 있으므로 실제로 일생에 한 번만 촬영하면 초록색 캐스트가 적용되지 않아야합니다. " 그 운동을 수행, 당신은 아마 하지 않을 것이다 영원히 그런 식으로 작업을 계속하려면,하지만 난 당신이 어떻게 알아내는 데 도움이됩니다 생각 하지 이미지가 보이기를 원합니다.

컬러 그레이드 방법보다 중요한 것은 시리즈 내에서 컬러 그레이딩의 일관성이 있다는 것입니다. 일반적으로 일련의 사진이 잘 흐르고 싶을 때도 있지만, 사진이 크게 달라지기를 원할 수도 있습니다.

다른 사람들이 언급했듯이 여기에는 일반적인 미학 이외의 규칙이 없습니다. 당신은 그것을 눈으로 보았거나 안 보았습니다. 예술적 감각과 색상을 적절하게 사용하십시오. 기술을 개발하려는 경우 좋아하는 작품을보고 균형을 잡는 방법을 살펴보면서 복제하십시오.

잠시 후, 이미지의 어느 부분이 원하는 위치에서 엉망인지 식별 ​​할 수 있으며 원하는 모양을 달성하기에 적합한 것으로 조정하는 것이 간단 해집니다.

또한 자신의 길을가는 것을 두려워하지 마십시오. 사람들의 색상 등급은 아마도 사진의 다른 측면보다 사진가가 누구인지 더 잘 알 수 있습니다. 사람들은 확실히 자신이 좋아하는 모양을 개발하고 컬러 그레이딩에 능숙하면 대부분의 사진이 비슷한 일반 모양을 갖습니다. 피사체가 다르기 때문에 촬영마다 조금씩 달라야하므로 미학은 약간의 스타일 차이를 요구할 수 있지만 일반적으로 인식 할 수있는 것들이 있습니다.

나는 개인적으로 너무 대조적 인 경향이 있으며 풍부한 검은 점, 상세하지만 합리적으로 강한 그림자, 피킹 직전의 하이라이트 및 전반적으로 채도가 높지만 채도가 높지 않은 채 강한 이미지를 찾습니다. 때로는 강조 표시를 과도하게 수행하기 위해 약간의 세부 사항을 설명하지만 일반적으로 대부분의 경우이를 피하려고합니다.

어떤 사람들은 더 어둡고, 더 밝고, 어떤 초현실적 인 대비, 더 희미하고 풍성한 모습을 선호합니다. 극단적 인 예술적 측면에서, 일부는 원래 장면에서 인식 할 수 없을 정도로 색상을 왜곡하기까지합니다. 원하는 것을 결정하는 것은 전적으로 예술가에게 달려 있습니다.

실제로 지침은 없습니다. 위치, 자르기, 구성을 배워야합니다. 예술 운동에는 토닝과 접근에 대해 엄격하지 않은 지침이 있습니다. 사진을 찍으려면 연습하려는 스타일의 비행가 또는 개척자를 찾아보고 검색 할 수 있습니다. 처음부터 오늘까지. 패션 사진을 위해 Richard Avedon에서 Patrick Demarchelier까지의 예입니다. 또한 전문 사진 작가의 조언으로 -myself : D-는 대조적 인 포스트 제품에 접근하지 않는 경우 항상 사진에 흑백이 있습니다.